Into the Blue
Vincent Sarda photographed in his studio in Toulouse by Erik Sæter Jørgensen. Retouching by Diana Grigore.
Text and photographs by Erik Sæter Jørgensen
French translation by Clara Mouilleseaux
In the land of light French painter Vincent Sarda explores the deep blue.
Vast swathes of blue interrupted and marred by brush strokes and chemical intervention. This is what greets you when entering the world of Vincent Sarda. His studio, much like himself, is elegant, quiet and respectful of the art and history of painting. Sarda is in his early 30s, hailing from the town of Toulouse in the south of France. Nowhere close to being a hub of the art world, the city still has a well-respected art school, a couple of commercial galleries and some ambitious museum projects.
— I still have everything to prove, says Sarda.
Recently, Sarda closed his solo exhibition at the Espace culturel Portail-Haut, and the painter is back in his studio creating new work. Before that, he presented a solo exhibition at Galerie M in 2017, a contemporary art gallery in Toulouse founded by Mr Yoann Maestri, known for showcasing emerging French talent.
A detail view from the artist's studio in downtown Toulouse. Sarda time and again returns to a palette of black and blue in his paintings.
Recognizing Sarda's work begins with blue. The colour palette centres around deep blues and blacks, sometimes broken by soft greys and creams. The painter is continually looking to evolve his expression, but these are not conceptual executions of fluctuating ideas.
A detail view from the artist's studio in downtown Toulouse. Sarda time and again returns to a palette of black and blue in his paintings.
– As Pierre Soulages said, 'What I do helps me find what I was looking for'. I'm not an architect or a craftsman with a product specification to fulfil. My goal in my paintings is to search, and when I find, then it's finished. That's the job of a painter.
Sarda explains that the origin of his works comes from a single, personal and secret point of origin. Every time he works, he goes back and mines this source for inspiration and direction. There is something ritualistic about it, the way he seeks to reach back and manifest works from his subconscious.
A good hour by train from Toulouse lies the town of Rodez, the birthplace of the painter Pierre Soulages. The town in Aveyron is naturally home to the Musée Soulages. Designed by the Catalan company Catalan RCR Arquitectes the museum covers 6,600 m² and was designed to fit perfectly with Soulages' body of work. Along with his wife Colette, Soulages has made two donations comprising nearly 500 paintings representing all of his work, from post-war oil paintings to his phase of work called Outrenoir.
The form of a drop takes centre stage with its unlimited shapes mutating and multiplying throughout his compositions. The surfaces are multilayered, with the artist routinely working over them in several sessions, adding and taking away – choosing from his toolbox of acrylic and spray paint, ink, water and acetone.
— Looking at your work you appear to work in quite a traditional way, but knowing you, I don’t think you’re a traditionalist. What is it about working with painting today, in the way you do, that you still find important enough to dedicate your life to it?
— Knowledge of basic techniques is obligatory. Depending on what you want to make, it is really important to know how to select the right tool. It is true that when you commit to an abstract style, the ideal is to vary your technique and develop it, which has a direct consequence on the resulting work. There is a strength in creating your tools to get to the desired, the epilogue of your research. That will also lead you to new and unexpected horizons, says Sarda.
Still, digital representations of artworks are how a huge part of the market makes decisions. Artsy, the leading premium platform for contemporary art sales on the internet, reports facilitating over $20 million of sales per month, and last year announced raising $50M in Series D funding. With numbers like that and industry leaders like Larry Gagosian and Dasha Zhukova on board – online sales are now comfortably part of the high-end market. For marketing, Instagram has become an essential channel both for communicating with your fans and collectors and for reaching those people to begin with.
– Instagram is a social network that I see as a second window to my website. It's like auxiliary support. It might even be the first showcase for my work, but I’m only posting the bare minimum. I don't show my private life or personal taste like a blog.
Untitled, 2017 Mixed media on canvas 195 cm x 130 cm.
Available from Sæter Jørgensen Contemporary.
Ever since childhood, Sarda finds inspiration in a multitude of disciplines - ranging from architecture to haute couture.
– For me, a masterpiece falls within the sacred. It becomes an untouchable creation. Painting is obviously something difficult. It’s often a challenging, tough undertaking. Too many of things happened to me in the past for me to limit myself from expressing them, from materialising them. I give it all my energy so that it becomes perfect. Abstract painting embodies some mysticism. We could compare it to a form of writing yet to be décrypted, such as the Linear A [editor's note: Linear A is one of two currently undeciphered writing systems used in ancient Greece].
“For me, a masterpiece falls within the sacred.”
— You’re from the south of France, and you have a studio in Toulouse. But the art world is increasingly global, and especially paintings are well suited to Instagram and social media. Does community matter to you? Is it something you seek out or limit yourself from?
– Painting and art history is nowadays presented on Internet, but let's not forget that it's only presented as digital images. A painting existing on a digital screen loses all of its' physical value. You have to photograph or scan it to transform the work into a digital image that can then be published on the internet. This perverts the specificity of painting. There is no satisfaction or consideration to be taken from pictorial works reduced to images flowing on the internet. In painting, you shouldn't be trapped by digital images who undeniably and uniquely dominate the digital landscape, says Sarda.
A good hour by train from Toulouse lies the town of Rodez, the birthplace of the painter Pierre Soulages. The town in Aveyron is naturally home to the Musée Soulages. Designed by the Catalan company Catalan RCR Arquitectes the museum covers 6,600 m² and was designed to fit perfectly with Soulages' body of work. Along with his wife Colette, Soulages has made two donations comprising nearly 500 paintings representing all of his work, from post-war oil paintings to his phase of work called Outrenoir.
– We often talk about art, and something that comes up a lot is the inherent conflict, or paradox, of talking about something inherently visual. Of course, here we are talking about art once again. It’s not controversial to explain that paintings are physical things that exist somewhere besides words. Painting is sometimes referred to as a language of its own, and humans have a long history of incorporating visuals in their communication - from hieroglyphs to pictograms and emojis. Still, there is something counterproductive in this post-modern world to see painters being constantly asked and expected to explain their work, to explain their decisions just like a conceptualist. How do you handle the duality of being expected to explain your work, while making work that doesn’t easily lend itself to a clear narrative?
– This paradox is inherent to painting, even art in general. In contemporary art we like to say that the idea of painting is to have the viewer facing himself, to get him to question himself. It’s an interesting idea. But I think these days we forget art's primary aspect as a raw language. Does the viewer prefer to make up her mind or does she prefer to stay in her comfort zone where all the information is presented on a wall label without the need for thinking? It demystifies the approach and constructive judgement, says Sarda.
“The viewer has a duty to situate herself in the space of the work to form her opinion.”
Exploration and iteration is key to Sarda's work, so it's no surprise that he doesn't think the viewer should get away without making an effort. His rigorous work happens in the studio, but the gift of his hard work still needs some unwrapping in the viewing room.
– Questioning is lost when you are given the key because it only makes sense when you make an effort to find the answer. The viewer has a duty to situate herself in the space of the work to form her opinion. Painting has, according to me, an ultimate goal to please, escape and spiritually project. No fundamental message is transmitted to the viewer through my paintings. In art history, there have been several eras when the necessity and importance of the message were different. In particular with religious art where there was an emergency of representation, which is no longer the case with contemporary art. People would appreciate an exhibition much more if they understood that sometimes it's useless to overthink every piece. It’s the only advice I would give regarding my work.
Dans le bleu
Texte par Erik Sæter Jørgensen
Traduction Française Clara Mouilleseaux
Au pays de la lumière, le peintre français Vincent Sarda explore le grand bleu.
De larges bandes bleues entrecoupées et altérées de coups de pinceaux et d’interventions chimiques. C’est ce qui vous attend en pénétrant l’univers de Vincent Sarda. Son studio, tout comme lui, est élégant, calme, discret et respectueux de l’Art et son histoire. Sarda, la petite trentaine, vous salue depuis la ville de Toulouse dans le sud de la France. Loin d’être un centre du monde de l’Art, la ville possède tout de même une école d’art très respectée, quelques galeries et des musées aux programmes ambitieux.
« J’ai encore tout à prouver », dit Sarda.
Récemment, Sarda a clôturé son exposition personnelle à l’Espace Culturel Portail-Haut et le peintre est de retour dans son atelier travaillant à de nouvelles créations. Avant cela, il avait présenté en 2017 ses travaux dans une exposition personnelle à Galerie M, une galerie d’art contemporain toulousaine fondée par M. Yoann Maestri, connue pour présenter les oeuvres d’artistes émergents français.
On remarque assez vite que le travail de Sarda débute avec le bleu. Sa palette de couleurs se concentre autour de bleus profonds et de noirs, parfois entrecoupés de gris clairs et de crèmes. Le peintre est en constante volonté d’évolution de son expression, mais il ne s’agit pas d’exécution conceptuelle d’idées fluctuantes.
« Comme Pierre Soulages le disait : C’est ce que je fais qui m’apprend ce que je cherche.
Je ne suis pas un architecte ou un artisan avec un cahier des charges spécifique à remplir. Mon but en peinture est la recherche, donc lorsque j’ai trouvé, alors le processus est achevé. C’est le travail du peintre. »
Sarda explique que les origines de ses travaux proviennent d’un seul et unique point d’origine, personnel et secret. Chaque fois, il y revient et puise dans cette source pour trouver inspiration et direction. Il y a quelque chose de rituel dans sa manière de chercher à retrouver et créer des oeuvres issues de son propre subconscient.
La forme de goutte prend le devant de la scène avec ses formes mutantes illimitées se multipliant au fil de ses compositions. Les surfaces sont multi-couches, l’artiste les travaillant de manière routinière en plusieurs sessions, ajoutant et ôtant - choisissant parmi sa boîte à outils faite d’acrylique, de bombes de peinture, d’encres, d’eau et d’acétone.
« En regardant tes oeuvres il apparait que tu travailles de manière plutôt traditionnelle, mais te connaissant, je ne pense pas que tu sois un traditionaliste. Qu’y a-t-il, dans ta manière de travailler avec la peinture de nos jours, comme tu le fais toi, que tu trouves toujours assez important pour y dédier ta vie?
— La connaissance des bases techniques est de toute évidence nécessaire. Selon ce que vous souhaitez faire, il est important de bien savoir choisir son outil. Il est vrai que lorsque vous vous engagez dans un style abstrait, l’idéal est de varier sa technique et de la développer, ce qui a une conséquence directe sur le résultat d’un travail. Créer ses outils pour obtenir le résultat désiré est un aboutissement fort, l’épilogue de votre recherche. Cela vous emmènera également vers de nouveaux horizons souvent inattendus », dit Sarda.
Depuis l’enfance jusqu’à ce jour, Sarda trouve l’inspiration dans une multitude de disciplines - allant de la haute couture à l’architecture.
« Tu es du sud de la France, et tu as un studio à Toulouse. Mais le monde de l’art est de plus en plus global, et la peinture en particulier se prête bien à l’exposition sur Instagram et les réseaux sociaux. Est-ce que l’idée de communauté est importante pour toi ? Est-ce quelque chose que tu recherches ou, au contraire, cherche à éviter ?
— Peinture et Histoire de l’art sont aujourd’hui présentes sur Internet mais uniquement à titre d’image numérique, ne l’oublions pas. Une peinture présente sur écran numérique perd toute sa valeur physique. Il faut l’avoir prise en photo ou scannée pour la transformer en une image numérique qui pourra ensuite être publiée sur Internet. Ce qui dénature complètement le propre d’une peinture. Il n’y a aucune satisfaction ou considération à tirer de travaux picturaux réduits au rang d’images circulant ensuite sur Internet. En peinture, il ne faut pas se laisser piéger par les images digitales qui indéniablement dominent uniquement sur le terrain du numérique », dit Sarda.
Et pourtant, les représentations digitales d’oeuvres d’arts occupent une place majeure dans la manière dont une grande partie du marché prend des décisions. Artsy, la première plateforme de vente d’art contemporain en ligne déclare avoir facilité pour 20 millions de dollars de ventes par mois, et a annoncé l’année dernière une levée de fonds de 50 millions d’euros pour Série D. Avec des chiffres de cette envergures et des leaders de l’industrie comme Larry Gagosian et Dasha Zhukova dans le coup - les ventes en ligne se sont faites une place confortable dans la part haute du marché. Pour le marketing (la commercialisation), Instagram est devenu le canal le plus important autant pour la communication avec ses fans que pour les collectionneurs, mais aussi pour attirer leur attention dans un premier temps.
« Instagram est un réseau social qui m’est utile comme seconde vitrine à mon site web. Il est comme un support auxiliaire. C’est peut-être même d’ailleurs ma première vitrine, mais je n’y poste vraiment que le strict minimum. Je n’y présente pas ma vie privée ni mes goûts personnels, comme cela se fait sur un blog. »
« Nous parlons souvent d’art, et ce qui revient régulièrement c’est le conflit, ou le paradoxe, inhérent au fait de parler de quelque chose d'intrinsèquement visuel. Bien entendu, ici encore nous parlons d’art. Il n’est pas controversé d’expliquer que les peintures sont des créations physiques qui existent au delà des mots. Peindre est parfois considéré comme un langage en lui-même, et les Hommes ont une longue histoire d’incorporation de visuels dans leur communication - des hiéroglyphes aux pictogrammes ou emojis. Pourtant il y a quelque chose de profondément contre-productif dans notre monde post-moderne à voir les peintres être constamment interrogés et que l'on attende d’eux d’expliquer leurs travaux et leurs décisions comme les conceptualistes. Comment traites-tu cette dualité qui consiste à devoir sans cesse expliquer ton travail, tout en créant des oeuvres qui ne s’inscrivent pas facilement dans une narration évidente?
— Le paradoxe est inhérent à la peinture, voire même à l’art en général. Dans l’art contemporain on aime à dire que l’idée de la peinture est de mettre le spectateur face à lui-même. C’est une idée intéressante. Mais je pense que l’on tend à oublier l’aspect premier de l’art comme langage brut. Est-ce que le spectateur préfère développer son propre avis ou bien se plait-il à rester dans sa zone de confort où toute information, provenant d’un encart, viendrait lui être servie sans le moindre besoin de réfléchir ? Cela démystifie l’approche et le jugement constructif. »
Exploration et itération sont des éléments clés du travail de Sarda, il n’est donc pas surprenant qu’il ne pense pas que le spectateur puisse s’en sortir sans effort. Son travail rigoureux est produit dans son studio, mais le cadeau délivré par son labeur reste à déballer dans la salle d’exposition.
« Un questionnement se perd lorsqu’on vous en donne la clef car il prend justement tout son sens quand vous faites l’effort d’y trouver une réponse. Le spectateur a le devoir de se situer dans l’espace de l’oeuvre pour forger ensuite son opinion. La peinture a, selon moi, un but suprême, celui de plaisir, d’évasion, de projection spirituelle. Aucun message fondamental n’est transmis au spectateur à travers ma peinture. Dans l’Histoire de l’Art, il y a plusieurs périodes où la nécessité et l’importance du message dans la peinture différaient. Notamment dans l’art religieux où il y avait une urgence représentative, ce qui n’est plus le cas dans l’art contemporain. Les gens apprécieraient davantage une exposition s’ils comprenaient qu’il ne sert parfois à rien d’intellectualiser chaque oeuvre. C’est donc le seul conseil que je pourrais donner concernant mon travail. »
Vincent Sarda, b. 1988, Toulouse, France
Lives and works in Toulouse
@vincentsarda ↗
www.vincentsarda.com ↗ 